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El artista digital Murat Yıldırım le da a obras de arte famosas un cambio de imagen peludo

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Algunas de las obras de arte más famosas del mundo han obtenido un nuevo aspecto peludo gracias al artista turco murat yıldırım.

Desde la Monalisa de Da Vinci hasta el grito de Edvard Munch, las abstracciones peludas dan a las piezas un nuevo estilo furry, dándoles un aire novedoso sin quitar su esencia y permitiendo al espectador reconocer las pinturas. el resultado es tan táctil que, aunque son composiciones digitales, todas ellas se pueden presentar fácilmente sobre un fondo blanco dentro de cualquier hogar.

"Durante mucho tiempo ha sido común reproducir por imitación las pinturas más famosas del mundo. En esta idea abstracta, usé pieles como una herramienta creativa para hacer avanzar pinturas de fama mundial. Con este efecto, combiné los colores de todas las imágenes de una manera innovadora y vibrante. Me han impresionado las pinturas clásicas desde mi infancia. Sin embargo, desde que el arte moderno se ha vuelto digital, he convertido todo esto en mi obra de arte 3D favorita". Furry Artworks Murat Yıldırım

Vincent van Gogh
La noche estrellada

Edvard Munch
El Grito

Claude Monet
Impresión, sol naciente

Leonardo da Vinci
Mona Lisa

Salvador Dalí
La persistencia de la memoria

Johannes Vermeer
La joven de la perla

Qué es una ICO y qué relación tiene con el arte

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Las ICOs han adquirido una gran popularidad, especialmente desde el 2017, junto con Bitcoin y las criptomonedas, y de forma menos notoria entre las personas menos interesadas en la parte más técnica, la tecnología blockchain.

Teniendo en cuenta que las criptomonedas representan en su mayoría una forma de dinero, muchas de ellas más valiosas que las monedas fiduciarias, aceptadas, deseadas y descentralizadas, no resultará tan sorpresivo que estas sean tan populares.

De esta forma, nuevas formas de invertir, de ganar dinero y de trabajar han surgido gracias a este incremento de popularidad y de valor en las criptomonedas, lo que representa nuevas oportunidades en cualquier área que involucre dinero.

A partir de esta posibilidad, han surgido las llamadas ICO, cuyas siglas significan Initial Coin Offering, u Oferta Inicial de Monedas en español, y que funciona como una nueva forma de financiar ideas y proyectos.

Las ICOs se encuentran fuertemente asociadas con las criptomonedas, lo cual tiene mucho sentido, y resulta una forma de entenderlas más fácilmente cuando se investiga sobre ellas por primera vez.

Sin embargo, las ICOs son esencialmente una forma de financiamiento colectivo, en la que se puede buscar financiamiento para proyectos, potencialmente cualquier tipo de proyectos, aunque mayormente relacionados con blockchain.

Si se consideran las posibilidades de recibir financiamiento de diversas personas, y con las posibilidades que ofrece blockchain para solucionar diversos problemas, las ICOs resultan ser una gran alternativa para hacer posible la realización de una idea.

ICOs para el arte

Considerando que las ICOs pueden utilizarse para financiar potencialmente cualquier tipo de proyecto, siempre que sea legal, entonces el rango de posibilidades de proyectos y de las áreas en las que se encuentra, es bastante amplio.

Así, ya han surgido algunas campañas de ICOs relacionadas con el arte (incluyendo la música), mayormente basadas en las tecnología de blockchain y sus posibilidades, con las que se intenta solucionar algunos problemas que se enfrentan en la labor artística, especialmente desde la perspectiva de los propios artistas.

Resulta sencillo pensar en los problemas que una persona dedicada a un arte enfrenta, en algunas formas de arte más que otras, y especialmente cuando aún se está dando a conocer. Pero pensar en soluciones con blockchain puede no ser tan evidente.

Desde su filosofía, blockchain puede resultar muy compatible con la labor artística, pues se suele describir como descentralizada, debido a que diversas computadoras almacenar el mismo registro de transacciones que no pueden ser modificadas.

Por otra parte, las ICOs funcionarán como el método para financiar estos proyectos relacionados con el arte, y probablemente con blockchain, que, aunque actualmente sean pocos, es posible que en un futuro sean más y mejores las campañas de ICO para el arte.

Algunos ejemplos de ICOs relaciondas con el arte

  1. FRESCO

El mercado del arte visual, especialmente de las pinturas, puede ser mucho más complicado y lucrativo de lo que se cree a simple vista, especialmente en círculos específicos de algunas sociedades.

La ICO denominada FRESCO, a través de la tecnología Blockchain, busca hacer posible a artistas demostrar sus obras, y a inversores, galerías, negociantes y administradores; determinar el potencial de una obra o colección.

De esta forma, se busca crear un sistema eficiente e intuitivo de valorizar las obras, utilizando los tokens propios de esta ICO, los FRES, los cuales representan el nivel de confianza de cada obra de arte.

Esta es una ICO más enfocada en el comercio del arte, y en una forma de digitalizar el sistema de comercio ya establecido y en mercado del arte, pero haciéndolo más universal gracias al internet y a Blockchain.

  1. Vooglue

También enfocada al mercado del arte visual, pero especialmente a los museos, a las personas que acuden a ellos, y por supuesto, a los artistas, con el objetivo de llevar al medio digital las obras que tradicionalmente cuelgan de las paredes.

Esta ICO se trata de una app, cuyo objetivo es el de conectar permanentemente una obra física, con una contraparte digital, como un video o una experiencia de realidad aumentada, así como su comercialización.

En este caso, no queda muy claro si se utilizará Blockchain para hacer posible la experiencia, pero como en toda ICO, se distribuyen tokens, en este caso desarrollados con la plataforma de Ethereum.

  1. Moosty

Moosty se describe como una organización descentralizada para músicos, y que a la vez involucra la distribución de sus tokens, denominados MooseCoins, y se enfoca en solucionar los problemas que han surgido en la industria musical con el internet.

En su White Paper se expone que las soluciones de streaming no dan las ganancias justas a los músicos, si es que reciben ganancia alguna, y que incluso algunas de las plataformas más importantes tienen problemas para identificar quien tiene los derechos de algunas canciones o piezas.

Por ello, con la ayuda de Blockchain, prentenden llevar un registro del momento en el que se registró una nueva obra musical. Pero además de esto, también se plantea prestar servicios de streaming, automatizar acuerdos con sellos, entre otras cosas.

Es importante aclarar que el objetivo no es incentivar a invertir en ninguna de estas ICOs, sino de observar cuan amplio es el rango de proyectos que pueden existir y que buscan financiación por medio de una oferta inicial.

La pintura de Monet que dio nombre al impresionismo

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Vía Thoughtco.com

Monet consigue su lugar en la línea de tiempo del arte debido a su papel principal en el movimiento de arte impresionista, y por el atractivo perdurable de su estilo artístico. Al mirar esta pintura, realizada al principio de su carrera, puede que no parezca una de las mejores pinturas de Monet, pero lo importante es que fue la pintura la que dio su nombre al impresionismo.

¿Cuál es la gran importancia de Monet y su pintura del amanecer?

Monet exhibió la pintura que tituló Impresión: Amanecer en lo que ahora llamamos la Primera Exposición Impresionista, en París. Monet y un grupo de aproximadamente otros 30 artistas, frustrados por las restricciones y la política del salón de arte anual oficial, habían decidido realizar su propia exhibición independiente, algo inusual en ese momento. Se llamaron a sí mismos la Sociedad Anónima de Pintores, Escultores, Grabadores, etc. (Société Anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, etc.) e incluyeron artistas que ahora son mundialmente famosos como Renoir, Degas, Pissarro, Morisot y Cézanne. La exposición se celebró del 15 de abril al 15 de mayo de 1874 en el antiguo estudio del fotógrafo Nadar (Félix Tournachon) en 35 Boulevard des Capucines, una dirección de moda.

En su reseña de la exposición, el crítico de arte de Le Charivari, Louis Leroy, usó el título de la pintura de Monet como titular, llamándolo la "Exposición de impresionistas". Leroy había querido decir sarcásticamente que el término "impresión" se usó "para describir una pintura rápidamente anotada de un efecto atmosférico, [que] los artistas raramente, si alguna vez exhibieron imágenes tan rápidamente esbozadas". La etiqueta atascada En su reseña publicada el 25 de abril de 1874, Leroy escribió:

"Una catástrofe me pareció inminente, y estaba reservada a M. Monet para contribuir con el colmo ... ¿Qué representa el lienzo? Mire el catálogo. "Impresion, Sunrise".
"Impresion - Estaba seguro de eso. Solo me estaba diciendo a mí mismo que, desde que estaba impresionado, tenía que haber algo de impresión ... y qué libertad, qué facilidad de fabricación. El fondo de pantalla en su estado embrionario está más terminado. que ese paisaje marino ".

En una revisión de apoyo publicada unos días más tarde en Le Siècle el 29 de abril de 1874, Jules Castagnary fue el primer crítico de arte en usar el término Impresionismo de una manera positiva:

"El punto de vista compartido que los convierte en un grupo con una fuerza colectiva propia ... es su decisión de no esforzarse por un acabado detallado, sino de ir más allá de un cierto aspecto general. Una vez que la impresión ha sido discernida y establecida abajo, declaran que han terminado su tarea ... Si queremos describirlos con una sola palabra, debemos inventar el nuevo término Impresionistas. Son impresionistas en el sentido de que no representan el paisaje, sino la sensación producida por el paisaje."

Monet dijo que había llamado a la pintura "impresión" porque "realmente no podía pasar como una vista de Le Havre".

¿Cómo Monet pintó "Impression Sunrise"?

Detalles de "Impression Sunrise" de Monet (1872). Óleo sobre lienzo. Aproximadamente 18x25 pulgadas o 48x63cm. Actualmente en el Museo Marmottan Monet en París. Foto de Buyenlarge / Getty Images del sitio Thoughtco.com

La pintura de Monet, hecha con pintura al óleo sobre lienzo, se caracteriza por lavados finos de colores más bien apagados, sobre los cuales pintó trazos cortos de color puro. No hay mucha mezcla de los colores en la pintura, ni las numerosas capas que caracterizan sus pinturas posteriores.

Los botes en primer plano, así como el sol y sus reflejos "se agregaron cuando las delgadas capas de pintura debajo de ellos todavía estaban húmedas" y se pintó "en muy poco tiempo, y probablemente en una sola sentada".

Las huellas de una pintura anterior que Monet había comenzado en el mismo lienzo "se han hecho visibles a través de las capas posteriores, que se han vuelto translúcidas con la edad ... se pueden ver formas oscuras alrededor de la firma y verticalmente sobre su parte derecha, extendiéndose hacia abajo nuevamente en el área entre y debajo de los dos barcos ". Así que la próxima vez que reutilices un lienzo, ¡sabed que incluso Monet lo hizo! Pero tal vez aplique su pintura más gruesa u opaca para asegurarse de que lo que está debajo no se vea con el tiempo.

El sol naranja

La naranja del sol parece muy intensa contra el cielo gris, pero convierte una foto de la pintura en blanco y negro e inmediatamente verás que el tono del sol es similar al del cielo, no sobresalir en absoluto. En su libro Vision and Art: The Biology of Seeing (Comprar Directamente), la neurobióloga Margaret Livingstone dice:

"Si el artista pintara con un estilo estrictamente representativo, el sol siempre debería ser más brillante que el cielo ... Al hacerlo con la misma luminancia que el cielo, [Monet] logra un efecto misterioso". "El sol en esta pintura parece caliente y frío, claro y oscuro. Parece tan brillante que parece latir, pero el sol en realidad no es más claro que las nubes de fondo ..."

Livingstone continúa explicando cómo las diferentes partes de nuestro sistema visual perciben simultáneamente el color y las versiones en escala de grises del sol.

Perspectiva en la impresión de Monet Pintura del amanecer

Monet dio profundidad y perspectiva a una pintura que de otro modo sería plana mediante el uso de la perspectiva aérea. Mire atentamente los tres barcos: se puede ver cómo estos se vuelven más claros en el tono, que es la forma en que funciona la perspectiva aérea. Los barcos más ligeros parecen estar más lejos de nosotros que el más oscuro.

Esta perspectiva aérea de los barcos se repite en el agua en primer plano, donde las manchas de pintura del agua cambian de oscuro (debajo del bote) a más claro (naranja del sol) a más ligero. Puede encontrarlo más fácil de ver en la fotografía en escala de grises de la pintura.

Observe también que los tres barcos están dispuestos en línea recta o en una sola línea de perspectiva. Esto intersecta la línea vertical creada por el sol y refleja la luz del sol en el agua. Monet usa esto para atraer al espectador más adentro de la pintura y darle una sensación de profundidad y perspectiva a la escena.

Traducción de la nota de Marion Boddy-Evans en el sitio Thoughtco.com

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Campaña de publicidad «Portraits Completed»

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Campaña de publicidad "Portraits Completed": Las mejores pinturas de todos los tiempos enseñan los pies.

Una marca de zapatos polaca: Kiwi, creó la campaña ‘Portraits Completed’ junto con la agencia de  publicidad Ogilvy Chicago. La cual muestra los pies y los zapatos de algunos de los protagonistas de algunos de los cuadros más importantes de la historia del arte.

Esta campaña "Portraits Completed" obtuvo un Lion de oro, plata, y tres de bronce en el prestigioso Cannes Lions.

Paul Cézanne Self-Portrait with Beret (1900)

John Taylor Chandos Portrait (1610)

Johannes Vermeer Girl with a Pearl Earring (1665)

Raphael Self-Portrait (1504-1506)

Claude Monet Self-Portrait with a Beret (1886)

Leonardo Da Vinci Mona Lisa (1503)

Rembrandt Van Rijn Self-Portrait (1660)

 

Pierre-Auguste Renoir Portrait of Jeanne Samary (1887)

Vincent van Gogh Self-Portrait (1889)

Ver completo en: kiwiportraits.com

Y si los íconos de la historia del Arte fueran hipsters

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¿Qué pasaría si la Mona Lisa se cansaba de sus viejos trajes de seda y decidiera cambiarlos por un traje de moda? Es exactamente el tipo de escenario que el diseñador gráfico japonés Shusaku Takaoka se especializa en dar vida, y lo hace con ingenio puro.

Takaoka es un experto en convertir la historia en hipster. Sus obras transforman  algunas de las caras más icónicas del mundo del arte clásico en los modernos resbalones de la ciudad, y en realidad no nos sorprenderíamos si vimos alguno de estos personajes de lienzo hechos en el subterráneo o pavoneando las últimas tendencias en Broadway. Pero Takaoka no se detuvo allí - él también los ha reimaginado como estrellas de cine, portadas de revistas, e incluso baristas.

Shusaku Takaoka en Instagram

Esculturas extrañas 3D / Pinturas por la japonesa Yuki Matsueda

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Las fascinantes obras de Yuki Matsueda estallar fuera de sus cajas y marcos de cuadro , penetrando en el espacio del espectador . Yemas de volar fuera de los huevos , las cifras saltan de las señales de salida , y los reyes y las reinas saltan de naipes. Matsueda nació en la prefectura de Ibaraki en 1980. Ganó el Premio de Diseño de Nippon Paint Center 2010 y se graduó de la Universidad de Tokio de las Artes , con un doctorado en 2010. Se ha demostrado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en toda Asia y Europa.

La construcción del Soumaya en imágenes

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Esta es una colección de imágenes del nuevo Museo Soumaya de Carlos Slim que se encuentra en Plaza Carso, al poniente de la ciudad (a contraesquina de Plaza Antara).

Así se veía el Museo Soumaya a mediados de 2008.

Ya para mediados de 2009 la construcción presentaba un avance significativo.

Durante estas fechas era común ver camiones con materiales de construcción
cerrando las calles aledañas mientras maniobraban para entrar al área.

La construcción avanzaba a una velocidad espeluznante.

El pasado 1º de marzo de 2011, Carlos Slim Helú acompañado de su hija Soumaya Slim, el ex presentador estadounidense Larry King, el escritor colombiano y premio Nobel de literatura Gabriel García Márquez, Sir Evelyn de Rothschild y el presidente de México Felipe Calderón Hinojosa junto con su esposa Margarita Zavala, fueron los encargados de cortar el listón en la inauguración de este museo.

A la inaguración asistieron personalidades como el secretario de hacienda, Ernesto Cordero; el secretario de educación pública, Alonso Lujambio; la presidente de Conaculta, Consuelo Sáizar; el presidente del senado, Manlio Fabio Beltrones; el dueño de Televisa, Emilio Azcárraga Jean; las escritoras Elena Poniatowska y Guadalupe Loaeza; el director del periódico Milenio Diario, Carlos Marín; además de empresarios de todo el país.

La fachada está (estará) formada por 17 mil páneles hexagonales que, según el arquitecto y yerno de Carlos Slim, Fernando Romero, está inspirada en las obras de Augusto Rodin. ¿Qué pensará Rodin de esta "obra" arquitectónica?

Así se ve por dentro el lobby del museo.

Supongo que así se sintió el señor Slim durante la inauguración en la que una de las bebidas más pedidas por los asistentes era el whiskey Chivas Regal de 18 años.

"Mmm... ¿por qué me hacen esto?, ¡no me lo merezco!" -El Pensador-

Los encargados de servir el Chivas 18... meseros de Sanborns.

Una de las salas para descansar después de ver más de 64 mil piezas que pertenecen a ese, al que pertenecemos todos los mexicanos... queramos o no.

Y este es el museo por dentro, no sé ustedes pero para mí la distribución es algo errática.

Así se ve el lobby de la entrada desde el primer piso. (Por ahí del lado inferior izquierdo estaba El Ingeniero).

Por si les dan ganas de ir, el museo abrirá sus puertas el 29 de marzo y la entrada será gratis (bueno, "gratis"... con eso de que todo México es territorio de él...).

Estas son las rampas por las que vas accediendo a las distintas salas del museo (muy angostas, ¿no?).

"El museo Soumaya se ha integrado comprando pieza por pieza y colecciones completas. Todo lo que es obra extranjera, un porcentaje muy alto ha sido comprado en subatas de Christie's y Sotheby's" -Carlos Slim- (sonó un poco malinchista su declaración... según yo).

Además, en esta sala (la penúltima) hay piezas prehispánicas, un Siqueiros y un Soriano.

El Pensador... dicen los que saben que no es el original... Yo de eso no sé.

Por último... La Piedad.

Pinturas por David Agenjo

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Nacido en Madrid, 1977, David Agenjo es un artista autodidacta que vive y trabaja en Londres. Después de una breve carrera como diseñador gráfico, que ahora se dedica por completo a la pintura. Ha expuesto en Nueva York, Londres, Dublín y Madrid.

Su foco principal está en el cuerpo humano, la comunicación de un compromiso personal a través del color y la textura que nos permite volver a conectar con la arquitectura de los seres vivos. Él desarrolla cada nuevo cuadro en la parte superior de la paleta utilizada anteriormente, la fusión de los colores abstractos dados al azar y texturas con nuevas capas de pintura figurativa para crear una nueva composición orgánica.Esto articula todo el conjunto de su obra, cada pintura que afecta a la siguiente proceso en una reproducción natural.

Artículo Original aquí

www.davidagenjo.com

30 ejemplos del arte de manipulación de fotos

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La manipulación de la foto es una gran fuente de inspiración, en general, porque los diseñadores son capaces de expresar sus habilidades a través de varios aspectos del diseño.